रङ, रूप र आत्माको साधक कलाकार रत्नकाजी शाक्यको कला यात्रा

“ भोकै र नाङ्गो देशमा कला फस्टाउँदैन’ भन्ने भनाइ सत्य होइन। वास्तविक सत्य त यो हो। जुन देशमा कला फस्टाउँदैन, त्यो देश नै भोकै र नाङ्गो रहन्छ।” – रत्नकाजी शाक्य

रत्नकाजी शाक्य, ललितकलामा स्नातक गरेका एक प्रतिभाशाली युवा कलाकार, आफ्नो पछिल्लो जलरङ चित्रहरूको प्रदर्शनी नेपा ग्यालरीमा प्रस्तुत गरिरहनुभएको छ। मैले उहाँलाई एक दशकभन्दा बढी समयदेखि चिनेको छु र विभिन्न स्थानहरूमा उहाँका कलाकृतिहरू नजिकबाट हेर्ने अवसर पाएको छु।

रत्नकाजी शाक्य पश्चिमी शैलीको जलरङ चित्रकलाप्रति पूर्ण समर्पित कलाकारहरूमध्ये एक हुनुहुन्छ। उहाँ नेपालका सबैभन्दा प्रतिभाशाली चित्रकारमध्ये एक मानिनुहुन्छ। उहाँको चित्रकलाको आफ्नै विशिष्ट शैली छ- स्वतन्त्र, साहसी र गतिशील।

उहाँका प्राकृतिक दृश्यचित्र (ल्यान्डस्केप) हरूले काठमाडौंको आत्मा र संवेदनालाई अत्यन्त प्रभावकारी ढङ्गले अभिव्यक्त गर्छन्। ती चित्रहरू केवल जीवन्त मात्र छैनन्, प्राचीन शहर काठमाडौंको विशिष्ट चरित्र र सांस्कृतिक पहिचानलाई पनि गहिरो रूपमा उजागर गर्छन्।

रत्नकाजी शाक्य आफ्नो कलायात्रामा निरन्तर परिपक्वताको दिशातर्फ अग्रसर हुनुहुन्छ। मलाई विश्वास छ, यस्ता विलक्षण प्रतिभाका धनी कलाकारले एक दिन अन्तर्राष्ट्रिय कला जगत्मा पनि उच्च पहिचान र सम्मान प्राप्त गर्नुहुनेछ।

उहाँको उज्ज्वल कला–भविष्यका लागि मेरो हार्दिक शुभकामना।-स्व. लैनसिंह बाङ्देल

रत्नकाजी शाक्य प्राकृतिक दृश्यचित्रका लागि प्रसिद्ध भए पनि उहाँका सिर्जनात्मक चित्रहरू उत्तिकै आकर्षक छन्। रङ, रूप र टेक्स्चरप्रतिको उहाँको संवेदनशीलता अत्यन्त मनमोहक छ।”

– शशी शाह

रत्नकाजी शाक्य बहुआयामिक प्रतिभा भएका कलाकार हुन्। उहाँ मूर्तिकार, गहना डिजाइनर तथा चित्रकारका रूपमा समान रूपमा परिचित हुनुहुन्छ। उहाँले ललितकला क्याम्पसबाट स्नातक गर्नुभएको हो। प्रारम्भिक जलरङ चित्रहरूमा उहाँले काठमाडौंका गल्ली र जनजीवनलाई विशिष्ट ढङ्गले चित्रण गर्नुभएको थियो। तर ती चित्रहरूमा खैरो, रातो र कालो रङको गाढा तथा परम्परागत संयोजन प्रमुख देखिन्थ्यो। पछि New Art Circle सँगको सहकार्यपछि उहाँको रङ–भाषामा उल्लेखनीय परिवर्तन आयो। उहाँले अझ कोमल, पारदर्शी र सामञ्जस्यपूर्ण रङहरूको प्रयोग गर्न थाल्नुभयो। पछिल्ला चित्रहरूले सहरी दृश्यलाई नै विषय बनाए पनि तिनमा प्रारम्भिक प्रविधिको बन्धनबाट मुक्त नयाँ स्वतन्त्र अभिव्यक्ति देख्न सकिन्छ।”- डीना बाङ्देल (New Art Circle’s Color Revolution, १९९४)

सन् १९६२ मा काठमाडौंको असनमा  जन्मिएका रत्नकाजी शाक्य ललितकलामा स्नातक हुन्। उहाँको परिवार परम्परागत रूपमा सुन–चाँदी तथा गहनाको व्यवसायमा संलग्न छ।

सायद गहनाका विविध आकार, सूक्ष्म डिजाइन, अनगिन्ती शैली तथा रङहरूको निरन्तर संयोजनले उहाँको सौन्दर्य चेतनाको विकासमा महत्त्वपूर्ण भूमिका खेलेको थियो। तर उहाँलाई कलाकार बन्न प्रेरित गर्ने कुरा पारिवारिक प्रोत्साहन नभई कलाप्रतिको गहिरो प्रेम थियो।

रत्नकाजी भन्नुहुन्छ,
“मेरो परिवारका सदस्यहरू म पूर्ण रूपमा पारिवारिक व्यवसायमै लागोस् भन्ने चाहन्थे। केही नजिकका आफन्तहरूले त मेरो कलाप्रतिको रुचिलाई लिएर मजाकसमेत गर्थे। तर मैले त्यसको वास्ता गरिनँ। कहिलेकाहीँ लुकेरै भए पनि मैले आफ्नो कला साधनालाई निरन्तर अघि बढाएँ।”

Tribhuvan University अन्तर्गतको ललितकला क्याम्पसबाट ललितकलामा स्नातक गरेका रत्नकाजीले मूर्तिकलालाई आफ्नो मुख्य विषयका रूपमा अध्ययन गरेका थिए। तर सिर्जनात्मक अभिव्यक्तिको माध्यमका रूपमा भने उहाँले चित्रकला रोज्नुभयो।

उहाँ भन्नुहुन्छ,
“सुरुआती समयमा मैले केही मूर्तिहरू पनि बनाएँ। तर मूर्तिकला अत्यन्त समय लाग्ने माध्यम हो। साथै घरमा त्यसका लागि उपयुक्त वातावरण पनि थिएन। त्यसैले आगामी केही वर्षसम्म म पूर्ण रूपमा चित्रकलामै केन्द्रित हुने सोचमा छु।”

रत्नकाजी शाक्य जलरङ माध्यममा यथार्थवादी चित्रकला सिर्जना गर्न रुचाउनुहुन्छ। उहाँको पहिलो एकल प्रदर्शनीमा समावेश २७ वटा चित्रहरू यसका उत्कृष्ट उदाहरण हुन्।

यी चित्रहरूको केन्द्रविन्दु काठमाडौंको सबैभन्दा पुरानो र व्यस्त व्यापारिक केन्द्रहरूमध्ये एक आसन हो। दैनिक उपभोग्य सामग्री, तरकारी तथा परम्परागत हस्तकलाको व्यापारका लागि परिचित आसनको दैनिकीलाई उहाँले अत्यन्त जीवन्त ढङ्गले चित्रण गर्नुभएको छ। भीडभाड, चहलपहल र निरन्तर स्पन्दनले भरिएको आसनको जनजीवन मात्र होइन, त्यहाँका ऐतिहासिक तथा स्मारकीय वास्तुकलालाई पनि उहाँले आफ्ना चित्रहरूमा विशेष महत्त्वका साथ प्रस्तुत गर्नुभएको छ।

साथै, यी चित्रहरूले समयसँगै आसनको स्वरूपमा आइरहेका परिवर्तनहरूलाई पनि संवेदनशील ढङ्गले अभिलेखित गरेका छन्। परम्परागत नेवारी घरहरूको स्थान कङ्क्रिटका आधुनिक भवनहरूले लिन थालेको यथार्थ चित्रहरूमा स्पष्ट देख्न सकिन्छ।

यसरी, यी चित्रहरूले कलाकारको सौन्दर्यबोधलाई अभिव्यक्त गर्नुका साथै आसनको सामाजिक, सांस्कृतिक र ऐतिहासिक जीवनको एउटा महत्त्वपूर्ण पक्षलाई दस्तावेजका रूपमा पनि पुनःसिर्जना गरेका छन्।

यी सबै चित्रहरू प्रत्यक्ष स्थलमै बसेर (On the Spot) बनाइएकाले तिनमा असाधारण प्रामाणिकता र जीवन्तताको अनुभूति पाइन्छ।

नेपालको यथार्थवादी चित्रकलामा सी. एम. मास्के, डी. बी. चित्रकार र मनोहरमान पून जस्ता कलाकारहरूको विशिष्ट स्थान छ। “के उहाँहरूको कलाले तपाईंलाई प्रभाव पारेको छ?” भन्ने प्रश्नको उत्तरमा रत्नकाजी शाक्य भन्नुहुन्छ—

“मैले उहाँहरूका चित्रहरू देखेको छु, प्रशंसा पनि गरेको छु। तर प्रत्यक्ष रूपमा उहाँहरूले मलाई प्रभाव पारेका छैनन्। अवचेतन रूपमा केही प्रभाव परेको हुन सक्छ, त्यो भने म निश्चित रूपमा भन्न सक्दिनँ।”

उहाँ आफू कुनै पश्चिमी कलाकारबाट पनि प्रत्यक्ष रूपमा प्रभावित नभएको बताउनुहुन्छ। उहाँका शब्दमा-

“यदि कुनै कुराले मलाई प्रभाव पारेको छ भने त्यो काठमाडौंका झ्याल, ढोका, छाना र यहाँको परम्परागत वास्तुकला हो। म त्यही सौन्दर्यलाई आफ्नो कलामार्फत अभिव्यक्त गर्न चाहन्छु।”

रङको प्रयोग होस् वा विषयवस्तुको चयन, रत्नकाजी शाक्यको प्रयास सधैं यथार्थसँग सकेसम्म नजिक रहने रहेको छ। उहाँ चित्रमा अनावश्यक अतिशयोक्ति वा कृत्रिमता ल्याउन चाहनुहुन्न। जीवन र परिवेशलाई जस्तो छ, त्यस्तै रूपमा प्रस्तुत गर्नु नै उहाँको कलात्मक दृष्टिकोण हो।

यस पहिलो एकल प्रदर्शनीअघि रत्नकाजी शाक्यले सन् १९८१ देखि विभिन्न सामूहिक कला प्रदर्शनीहरूमा सहभागी हुँदै आफ्नो कलायात्रालाई निरन्तर अघि बढाउँदै आउनुभएको थियो।

एक दशकभन्दा लामो उहाँको कला-साधना चुनौतीपूर्ण र कठिन अवश्य रह्यो, तर त्यसले उहाँलाई अझ परिपक्व र दृढ कलाकारका रूपमा स्थापित गरेको छ। उहाँ आज यस्तो मार्गमा दृढतापूर्वक उभिनुभएको छ, जसले उहाँलाई कला यात्राका अझ उचाइहरूतर्फ डोर्‍याउने विश्वास गर्न सकिन्छ।

रत्नकाजी शाक्यको कलामा नेपाली यथार्थवादी चित्रकलाको परम्परा केवल निरन्तरता पाएको मात्र छैन, भविष्यमा त्यसलाई अझ समृद्ध र विस्तार गर्ने सम्भावना पनि प्रबल देखिन्छ।

रत्नकाजी शाक्यका कलाकृतिहरूको सबैभन्दा उल्लेखनीय विशेषता भनेको रूप–संरचना, बनोट (टेक्स्चर) र रङको प्रयोगमा देखिने उहाँको मौलिकता हो। उहाँले केवल विगतको कलापरम्परासँग मात्र होइन, विद्यमान स्थापित शैलीहरूसँग पनि आफूलाई अलग राख्दै आफ्नै विशिष्ट कलाभाषा निर्माण गर्नुभएको छ। उहाँका चित्रहरूले दर्शकलाई पूर्णतः नयाँ दृश्य–जगतमा प्रवेश गराउँछन्।

उहाँका चित्रहरूमा देखिने टेक्स्चरले पातको सतहमा रहेका रेशा, रुखको बोक्रा, मानव तथा जनावरको छालाजस्ता जैविक पदार्थहरूको अनुभूति गराउँछ। यी बनोटहरू यति रहस्यमय छन् कि ती कसरी सिर्जना गरिएका हुन् भन्ने सहजै अनुमान गर्न सकिँदैन।

चित्रहरूमा रङका अनेक तहहरू एकअर्कासँग अत्यन्त सन्तुलित र सामञ्जस्यपूर्ण ढङ्गले अन्तरक्रिया गरिरहेका देखिन्छन्। रङहरूको प्रवाह क्यानभासको केन्द्रबाट नियन्त्रित भएको अनुभूति हुन्छ। कतिपय रेखा र ब्रसका स्ट्रोकहरू केन्द्रबाट बाहिरी किनारतर्फ फैलिन्छन् भने कतिपय किनाराबाट केन्द्रतर्फ उन्मुख हुन्छन्। चित्रका आकारहरू स्थापित सीमाभन्दा बाहिर निस्कन खोजेझैँ देखिए पनि अन्ततः तिनले समग्र संरचनाभित्रै आफ्नो सन्तुलन कायम गर्छन्।

इतिहास वा बाह्य परिवेशतर्फ फर्केर हेर्नुभन्दा रत्नकाजी आफ्नै अन्तरमनको आवाज सुन्न रुचाउनुहुन्छ। उहाँ आफ्नै चेतनाभित्र जन्मिएका बिम्ब, आकार र रङलाई दृश्यात्मक अभिव्यक्तिमा रूपान्तरण गर्नुहुन्छ। यही कारणले नेपाली समकालीन कलाको क्षेत्रमा उहाँले आफ्नो विशिष्ट र स्वतन्त्र पहिचान निर्माण गर्न सफल हुनुभएको छ।

रत्नकाजी शाक्य कुनै निश्चित शैली (इज्म), प्रवृत्ति, प्रविधि वा चर्चित कलाकारको अनुकरण गर्ने पक्षमा हुनुहुन्न। यस अर्थमा उहाँ केही समकालीन नेपाली कलाकारहरूभन्दा भिन्न देखिनुहुन्छ, जो लामो समयसम्म पश्चिमी कलाकारहरूको शैली पछ्याउँदै आधुनिक बन्ने प्रयास गर्छन्।

हामीकहाँ कतिपय तथाकथित आधुनिक कलाकारहरूले Rembrandt, Édouard Manet, Claude Monet, Paul Gauguin, Paul Cézanne, Edvard Munch, Vincent van Gogh, Emil Nolde, Pablo Picasso र Jackson Pollock जस्ता कलाकारहरूको शैली अनुकरण गर्दै आफूलाई आधुनिक ठान्ने प्रवृत्ति देखिन्छ। तर के आधुनिक कलाकारको नक्कल गरेर मात्र आधुनिक बन्न सकिन्छ? यो प्रश्न गम्भीर रूपमा विचारणीय छ।

रत्नकाजी शाक्यको कलामा रङ, रेखा र ब्रसका स्ट्रोकहरूको स्वस्फूर्त प्रयोग तथा अमूर्त अनुभूतिलाई दृश्यरूपमा अभिव्यक्त गर्ने क्षमता नै उहाँको सिर्जनात्मकताको मूल आधार हो।

रङ, रेखा र ब्रसका स्ट्रोकहरूको स्वस्फूर्त प्रयोग तथा अमूर्त अनुभूतिलाई दृश्यात्मक रूपमा अभिव्यक्त गर्नु रत्नकाजी शाक्यका चित्रकलाका प्रमुख विशेषताहरू हुन्। उहाँका लागि अन्तिम कलाकृति मात्र महत्त्वपूर्ण हुँदैन; सिर्जनाको सम्पूर्ण प्रक्रिया नै उत्तिकै महत्त्वपूर्ण हुन्छ। त्यसैले उहाँको कला योजनाबद्ध नियन्त्रणभन्दा पनि सिर्जनात्मक प्रक्रियामा उत्पन्न हुने आकस्मिक प्रभाव (Chance Effect) लाई आत्मसात् गर्दै अघि बढ्छ। यही प्रक्रियाले उहाँका चित्रहरूमा असाधारण र अनपेक्षित बिम्बहरूको जन्म गराउँछ।

यद्यपि उहाँका कलाकृतिहरूले बाह्य संसारलाई प्रत्यक्ष वा यथार्थपरक रूपमा चित्रण गर्दैनन्, तिनले कुनै निश्चित परिवेश, समय वा घटनाको अनुभूति भने गराइरहेका हुन्छन्। विशेषगरी गाढा कालो र खरानी रङहरूको द्वन्द्वात्मक संयोजनले हिंसा, विनाश, मोहभङ्ग, पीडा र मानवीय त्रासदीका गहिरा भावहरूलाई संकेत गर्दछ (शर्मा, Multiple Voices, पृ. २०)।

यस सन्दर्भमा रतनकुमार राईले रत्नकाजी शाक्यको चित्रकलाबारे लेख्दै भन्नुभएको छ—

“रत्नकाजी शाक्यको अभिव्यक्तिको विशिष्ट शैली…”

रत्नकाजी शाक्यले आफ्नो नयाँ एक्रिलिक चित्र–श्रृङ्खलामा प्रयोग गरेको अण्डाकार (Ovalism) रूपभाषाले नेपाली समकालीन चित्रकलामा एउटा नयाँ दृश्य–तत्त्वको आरम्भ गर्ने विश्वास गरिएको छ। सबै आकारहरूमध्ये अण्डाकारलाई सबैभन्दा सौम्य, सन्तुलित र आकर्षक रूप मानिन्छ, र यही आकार कलाकारको शान्त, संयमित तथा सन्तुलित व्यक्तित्वसँग पनि गहिरो रूपमा मेल खान्छ।

यद्यपि उहाँले चित्रमा सीमित प्राथमिक रङहरू—रातो, नीलो र पहेँलो—का साथै कालो, सेतो तथा हरियो, सुन्तले र खैरोजस्ता केही द्वितीयक रङहरू मात्र प्रयोग गर्नुहुन्छ, उहाँका चित्रहरूले रङ–संयोजनको उत्कृष्ट चेतना तथा अण्डाकार रूपहरू र जीवन्त रङहरूबीचको अद्भुत सामञ्जस्य प्रकट गर्छन्। (अप्रकाशित दस्तावेज)

रत्नकाजी शाक्यको जन्म सन् १९६२ मा काठमाडौंको असनमा भएको हो। उहाँले सन् १९८८ मा Tribhuvan University अन्तर्गतको ललितकला क्याम्पसबाट ललितकलामा स्नातक (BFA) उपाधि प्राप्त गर्नुभयो।

सन् १९९१ देखि २००३ सम्म उहाँले नेपालका अग्रणी आधुनिक चित्रकार Lain Singh Bangdel को मार्गदर्शनमा कला साधना गर्नुभयो। यस अवधिले उहाँको कलात्मक व्यक्तित्व निर्माणमा महत्त्वपूर्ण भूमिका खेलेको मानिन्छ।

हालसम्म उहाँका २१ वटा एकल चित्रकला प्रदर्शनी सम्पन्न भइसकेका छन्। साथै, उहाँले तीन दर्जनभन्दा बढी सामूहिक कला प्रदर्शनीहरूमा नेपाल तथा विदेशमा सहभागिता जनाइसक्नुभएको छ। तीमध्ये काठमाडौं (१९८२, १९८३, १९९४), बेल्जियम (१९९३), ललित महोत्सव, ललितपुर (१९९५), Rabindra Sadan, कोलकाता (१९९५), सिक्किम (१९९६), Nepal Art Council (१९९९, २००१, २००२), दिल्ली र भोपाल (१९९९), Nepal Association of Fine Arts (१९९९), ढाकामा आयोजित नवौँ एसियाली बिएन्नाले (१९९८), बेलायतका The Hancock Museum (२०००), Brewhouse Theatre and Art Council (२००१), Letchworth Museum and Art Gallery (२००१), Hanover Fine Arts (२००१), Clotworthy Art Centre (२००१), Nepal Watercolor Society को पहिलो तथा दोस्रो रेट्रोस्पेक्टिभ प्रदर्शनी (२००३ र २००४), बङ्गलादेशको शिल्पकला एकेडेमी (२००६), जापानको Chautara Art Gallery (२००८), नेदरल्यान्ड्सको Almera Hospital र Brueggena Gallery (२००९), कोलकाताको Geminy Roy Gallery (२००९), जर्मनीको Unique Stroke, Dintinn–32 Vernisage (२००९) लगायतका अन्तर्राष्ट्रिय प्रदर्शनीहरू विशेष उल्लेखनीय छन्।

यसका अतिरिक्त उहाँले “कलापुञ्ज” शीर्षकका विभिन्न कला प्रदर्शनीहरूमा समेत सक्रिय सहभागिता जनाउँदै नेपाली समकालीन चित्रकलालाई अन्तर्राष्ट्रिय स्तरमा परिचित गराउन महत्त्वपूर्ण योगदान पुर्‍याउनुभएको छ। रत्नकाजी शाक्यका सिर्जनात्मक यात्राले समयक्रमसँगै विविध विषय र शैलीहरूलाई समेट्दै आएको छ। उहाँका उल्लेखनीय एकल प्रदर्शनीहरूमा “आसन मार्केट”, “महानगरी”, “मिनिएचर पेन्टिङ”, “ओभालिज्म (Ovalism)”, “काठमाडौंका गल्लीहरू (Streets of Kathmandu)”, “न्यूड”, “बुद्ध सिरिज”, “बुद्धका अनुहारहरू (Faces of Buddha)”, “टेक्स्चरको शक्ति (Power of Texture)”, “ग्लोबल वार्मिङ” तथा “गणेश सिरिज” विशेष रूपमा परिचित छन्।

उहाँका चित्रकलामा प्राकृतिक दृश्य (Landscape), सहरी दृश्य (Cityscape), स्थिर वस्तुचित्र (Still Life), व्यक्तिचित्र (Portrait), अभिव्यक्तिवाद (Expressionism) तथा अमूर्त कला (Abstractionism) जस्ता विविध कलाशैलीहरूको सशक्त उपस्थिति पाइन्छ।

रत्नकाजी शाक्यले आफ्नो कला यात्रामा विभिन्न सम्मान तथा पुरस्कार प्राप्त गर्नुभएको छ। तीमध्ये सन् १९८३ मा आयोजित अन्तर–क्याम्पस कला प्रतियोगितामा सान्त्वना पुरस्कार, सन् १९९२ मा Child Workers in Nepal Concerned Centre (CWIN) द्वारा आयोजित कला प्रदर्शनीमा विशेष पुरस्कार, तथा Rastriya Samachar Samiti (RSS) (तत्कालीन आर.एन.ए.को रूपमा उल्लेखित) द्वारा आयोजित कार्टुन प्रतियोगितामा तेस्रो पुरस्कार उल्लेखनीय छन्।

उहाँको अन्तर्राष्ट्रिय योगदानको कदरस्वरूप दक्षिण कोरियाली सरकारले उहाँको तस्बिर र कलाकृति समावेश गरी हुलाक टिकट प्रकाशित गरेर सम्मान गरेको थियो।

रत्नकाजी शाक्य नेपाली कला क्षेत्रका विभिन्न संस्थाहरूसँग सक्रिय रूपमा आबद्ध हुनुहुन्छ। उहाँ New Art Circle, Nepal Watercolor Society तथा Society of Modern Artists (SOMA) का संस्थापक सदस्य हुनुहुन्छ। साथै उहाँ Artists Society of Nepal (ASON) का कार्यसमिति सदस्य तथा Light and Shade Art Gallery का निर्देशकको जिम्मेवारीसमेत निर्वाह गरिसक्नुभएको छ।

उहाँका कलाकृतिहरू नेपालभित्र तथा विदेशका अनेक सङ्ग्रहकर्ता र संस्थाहरूले सङ्ग्रह गरेका छन्। नेपालमा Hotel Malla र Kathmandu Guest House जस्ता प्रतिष्ठित संस्थाहरूमा उहाँका चित्रहरू सुरक्षित छन्। त्यसैगरी जापान, बेल्जियम, बेलायत, संयुक्त राज्य अमेरिका तथा अन्य देशका निजी सङ्ग्रहकर्ताहरूले पनि उहाँका कृतिहरू सङ्ग्रह गरेका छन्। उहाँका चित्रहरूले नेपाली समकालीन कलालाई अन्तर्राष्ट्रिय दर्शकमाझ परिचित गराउन उल्लेखनीय योगदान पुर्‍याएका छन्। रत्नकाजी शाक्यका कलाकृतिहरू नेपालका साथै अर्जेन्टिना, बहराइन, टर्की, स्पेन, नेदरल्यान्ड्स, बङ्गलादेश, नर्वे, न्युजिल्यान्ड, फ्रान्स, जर्मनी, अस्ट्रेलिया, इटाली, स्विट्जरल्यान्ड, क्यानडा, सिङ्गापुर, चीन लगायतका विभिन्न देशका निजी तथा संस्थागत सङ्ग्रहमा रहेका छन्।

रत्नकाजी शाक्य स्वयं भन्नुहुन्छ—

“मेरा चित्रहरूले प्रायः त्यही परिवेशलाई चित्रण गर्छन्, जुन मेरो आफ्नै जीवनसँग सबैभन्दा नजिक छ।काठमाडौंका गल्ली, चोक र जनजीवन। मलाई लाग्छ, मेरो कला अहिले प्रविधि र विषयवस्तु दुवै हिसाबले एउटा नयाँ संक्रमणकालबाट गुज्रिरहेको छ। अझ ताजा र पारदर्शी रङहरूमार्फत ग्रामीण प्राकृतिक दृश्यहरूको खोजी गर्नु मेरो कलायात्राको नयाँ र रोमाञ्चक सुरुवात बनेको छ।”
(New Art Circle’s Color Revolution: Exhibition of Watercolor Paintings, १९९४)

उहाँका चित्रहरू बाह्य संसारका वस्तु वा घटनाको यथार्थ प्रतिकृति होइनन्। बरु तिनले प्रभाववादी (Impressionist) कलाकारहरूले झैँ क्षणिक अनुभूति, संकेत र आभासलाई प्रस्तुत गर्छन्। यही कारणले उहाँका चित्रहरूले दर्शकको कल्पनाशक्तिलाई सक्रिय बनाउँदै अर्थ निर्माणको प्रक्रियामा सहभागी गराउँछन् (शर्मा, Watercolor Paintings, पृ. २२)।

कला समीक्षक शर्माका अनुसार—

“रत्नकाजी शाक्यका ‘हेड स्टडी’ चित्रहरूले अमूर्त अभिव्यक्तिवादी ब्रस स्ट्रोकमार्फत व्यक्तित्वको साहस र दृढतालाई प्रभावशाली रूपमा अभिव्यक्त गर्छन्।”
(Presentation of Nature and Culture, पृ. ४)

उहाँका अभिव्यक्तिवादी चित्रहरूले विकृत तथा रूपान्तरण गरिएका आकारहरूको माध्यमबाट मानव मनका गहिरा भावना, संवेदना र अन्तर्द्वन्द्वलाई अभिव्यक्त गर्छन्। असामान्य रङ र परम्परागत सीमाभन्दा बाहिरका आकृतिहरू प्रयोग गर्दै उहाँले समाजमा विद्यमान हिंसा, यातना, पीडा र मानवीय त्रासदीलाई सशक्त दृश्यभाषामा प्रस्तुत गर्नुभएको छ।

त्यसैगरी, उहाँका विशाल स्त्री आकृतिहरू तथा न्यूड (Nude) चित्रहरू मानव शरीरको सौन्दर्य, अनुपात, गोलाइ र मांसपेशीहरूको लयात्मक संरचनाको उत्सवका रूपमा प्रस्तुत भएका छन्। ती चित्रहरूले शारीरिक सौन्दर्यलाई केवल बाह्य रूपका रूपमा होइन, कलात्मक गरिमा र मानवीय संवेदनाको प्रतीकका रूपमा व्याख्या गर्छन्। रत्नकाजी शाक्यका चित्रहरूमा उज्यालो र अँध्यारा रङहरूको संयोजनले एक अवस्थाबाट अर्को अवस्थामा हुने रूपान्तरणको अनुभूति गराउँछ। गाढा रेखा तथा स्पष्ट बाह्यरेखाहरूले व्यक्तिको स्वतन्त्र अस्तित्व, आत्मविश्वास र आफ्ना विचारप्रतिको दृढ अडानलाई संकेत गर्छन्। एक–अर्कामा मिसिएका रङका तहहरू तथा बहुआयामिक आकारहरूले मानव जीवन र सोचको जटिलतालाई दृश्यात्मक रूपमा अभिव्यक्त गर्छन्।

उहाँका रहस्यमय र जैविक टेक्स्चरहरूले पातको सतह, रुखको बोक्रा तथा मानव र अन्य जीवजन्तुको छालाको स्मरण गराउँछन्। यिनले जीवन, प्रकृति र पदार्थबीचको गहिरो सम्बन्धलाई उजागर गर्छन्। केही अमूर्त चित्रहरूले बादल, आँधी र वर्षाको अनुभूति दिलाउँछन् भने केहीले मन्दिर, देवालय र आराधनाको आध्यात्मिक वातावरण सिर्जना गर्छन्।

रत्नकाजी शाक्य समकालीन विश्वका वातावरणीय समस्याप्रति पनि अत्यन्त सचेत कलाकार हुनुहुन्छ। उहाँले जनसङ्ख्या वृद्धि, भोकमरी, वन विनाश, ओजोन तहको क्षय, विश्वव्यापी तापवृद्धि (Global Warming), हिमालयको हिउँ पग्लनु तथा बाढी जस्ता गम्भीर विषयलाई आफ्नो कलामा स्थान दिनुभएको छ। उहाँका चित्रहरूमा हिउँले ढाकिएको हिमालय नाङ्गो चट्टानमा रूपान्तरण हुँदै गएको देखिन्छ। यो परिवर्तन विकासको होइन, विनाशतर्फको यात्राको प्रतीक हो।

मानिसले प्रकृतिको अत्यधिक दोहन गरेर वातावरणलाई क्षति पुर्‍याएको छ, र त्यसको प्रतिउत्तरस्वरूप प्रकृतिले नै मानव अस्तित्वमाथि संकट ल्याइरहेको छ भन्ने चेतावनी उहाँका चित्रहरूले दिन्छन्। गाढा रङहरूको प्रधानताले विनाश, प्रलय, अन्धकार र आसन्न संकटको अनुभूति गराउँछ। दिनको अन्त्य अन्धकारमा हुन्छ; गुफा झन् गहिरो अँध्यारोतर्फ जान्छ; आगो निभ्छ; बत्ती र मैनबत्ती क्रमशः समाप्त हुन्छन्; हरिया पात पहेँला, रातो, सुक्खा र खरानी बन्छन्; ठाडो रुख ढल्छ, कुहिन्छ र अन्ततः माटोमै विलीन हुन्छ। उज्यालो जीवन अन्ततः अन्धकारमै विलय हुन्छ। यही अन्धकारको पर्दाले सम्पूर्ण अस्तित्वलाई ढाकिदिन्छ। हामी प्रकाशको खोजीमा संघर्ष गरिरहन्छौँ, तर अन्धकारको उपस्थिति सधैँ हाम्रो वरिपरि रहिरहन्छ।

रत्नकाजी शाक्य कुनै स्थापित शैली वा प्रविधिको कठोर अनुयायी हुनुहुन्न। उहाँ निरन्तर नयाँ प्रयोग गर्दै आफ्नै विशिष्ट कलाभाषाको निर्माण गर्नुहुन्छ। विशेषतः अण्डाकार (Oval) रूप उहाँका अधिकांश चित्रहरूको प्रमुख दृश्य–तत्त्व बनेको छ। यही आधारमा उहाँले विकास गर्नुभएको कलादर्शनलाई “ओभालिज्म (Ovalism)” नाम दिइएको छ।

1
“अण्डाकार रूपसँग रत्नकाजी शाक्यले गरेका विविध कलात्मक प्रयोगहरूले अन्ततः ‘ओभालिज्म’ नामक ललितकलाको एउटा समग्र सिद्धान्तको रूप लिएको छ। ओभालिज्ममार्फत उहाँले अस्तित्वका हरेक पक्षमा अण्डाकार रूपको सर्वव्यापी महत्त्वलाई व्याख्या गर्ने प्रयास गर्नुभएको छ।”
(बिल वोलाकको पुस्तक Love Opens the Hands)

“मेरा चित्रहरूले प्रायः त्यही परिवेशलाई चित्रण गर्छन्, जुनसँग म सबैभन्दा बढी परिचित छु—काठमाडौंका सडक र गल्लीहरूमा स्पन्दित जनजीवन।

“ मलाई लाग्छ, मेरो कला अहिले प्रविधि र विषयवस्तु दुवै हिसाबले एउटा नयाँ संक्रमणकालबाट गुज्रिरहेको छ। अझ ताजा, पारदर्शी र जीवन्त रङहरूको प्रयोग गर्दै ग्रामीण प्राकृतिक दृश्यहरूको खोजी गर्नु मेरो कलाकारिताको नयाँ र अत्यन्त उत्साहजनक सुरुवात बनेको छ।” उनले सुनाए।